Pour tous les fans de cinema et des séries tv ce blog est pour vous!

Titre: Lost in translation
Fim américain
Réalisateur: Sofia Coppola
Casting: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi
Genre: Comédie dramatique
Durée: 1h 42min
Date de sortie: 07 Janvier 2004
Année de production: 2002
Budget : 4 millions de dollars
Box Office France : 1 379 637 entrées

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Bob Harris, star de cinéma dont la carrière décline, débarque à Tokyo pour y tourner une publicité vantant les mérites d'un whisky, plutôt que de faire son vrai métier. Il a conscience qu'il se trompe, il devrait être chez lui avec sa famille, jouer au théâtre ou encore chercher un rôle, mais ici un gros cheque l'attend. Du haut de son hôtel de luxe, il contemple la ville, mais ne voit rien. Il est ailleurs, détaché de tout, incapable de s'intégrer à la réalité qui l'entoure, incapable également de dormir à cause du décalage horaire. Bob est perdue, côté boulot comme côté vie privé. Et c'est ce décor qui va provoquer un changement, l'occasion de se retrouver, seul d'abord puis à deux. Accoudé au bar de l'hôtel, il attend avec impatiemment que s'achève ce séjour morose. Entre un couple qui bat de l'aile et une vie de star du ciné déchue, Bob a bien du mal à retrouver le sourire. Noyé dans sa solitude, il croise alors Charlotte, une jeune femme à peine sorti de l'université et délaissée par son mari, photographe de mode, de la jet set de son métier qu'elle a suivi à Tokyo et qui consacre la majeure partie de ses journées à suivre des stars du rock. Charlotte est dans le même hôtel, au lit, à regarder la ville d'en haut, ou à parcourir, curieuse, ce Tokyo étonnant et contrasté, mélange de traditions. Entre le comédien d'âge mûr et la toute jeune femme se noue alors une étrange relation, tout deux perdus dans cet univers où tout leur est étranger. Entre ascenseurs, couloirs d'hôtel, trajets en voiture et sorties en ville et bar, ils viennent s'occuper, observer les gens, chercher les regards qui sauront leur faire comprendre le monde, leurs questions et leur vie.

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Lost in translation est le deuxième long-métrage après Virgin suicides de Sofia Coppola, qui signe ici un nouveau chef d'oeuvre. Ce film est à contre-courant du cinéma actuel. Le rythme de l'intrigue est, en effet lent est l'histoire est banale, la réalisatrice nous démontrant qu'un film sans action particulière peut être également très réussie.

Sofia Coppola nous offre, dans un cadre original, une histoire elle même très singulière: celle de deux américains, qui n'étaient pas du tout prédisposés à se trouver. En effet tout semblait les séparer:
Tout d'abord l'âge, lui est âgé, il a de l'expérience, elle est jeune, elle sort juste de l'université.
Le niveau social, lui est un acteur « has been », elle sans emploi.
Lui est plutôt solitaire alors qu'elle est plutôt sociable.
Cependant, la sensation d'être décalés au monde qui les entoure vont réunir ces deux êtres si différents: le dépaysement, l'ennui, la solitude, l'insomnie et la traversée d'une crise: crise conjugale pour lui et existentielle pour elle. La talentueuse réalisatrice signe ici une jolie histoire d'amour, de complicité et d'amitié, de deux personnes paumées par la vie au milieu d'une cité gigantesque, dont les destins vont se croiser, l'espace d'un instant dans les couloirs d'un luxueux hôtel. Cette attirance, ce rapprochement temporaire, ces longs moments de dialogue tranquille, cette complicité naissante qui se noue doucement en terrain neutre: sous les lumières nocturnes de Tokyo est très touchante. Il s'agit donc d'une oeuvre subtile et poétique, avec des dialogues mêlant romantisme et humour. En effet, le romantisme est présent tout au long du film dans le jeu de séduction entre Scarlett Johansson et Bill Murray qui se transforme peu à peu en forte et sincère amitié. L'humour, lui ne vient jamais s'inscrire dans l'accumulation de gags lourds, mais se faufile dans l'attitude, le regard, les expressions du visage de Bob Harris, dépassé par les évènements. Ainsi, l'amour est ici traité avec originalité et tendresse, ponctuée de scènes humoristiques.

Il faut aussi souligner l'ambiance si particulière du film. Les lieux choisis par Sofia Coppola sont magnifiques et dépaysants: on comprend les personnages si paumés. Comme eux, en effet on se sent mal à l'aise devant les images d'un pays qui nous est étranger. Le Japon est remarquablement bien filmé et l'émotion est omniprésente, notamment dans les scènes de nuit. La musique souligne harmonieusement cet univers. Le Japon, nous est ici présenté comme un pays très dynamique dans lequel la vie à l'air trépidante mais dans lequel il semble difficile de ne pas se noyer dans la masse, d'avoir sa propre identité. C'est dans cette ambiance si singulière que l'on va suivre l'évolution de leur relation remplie de tendressequi va contrastée avec le paysage inhumain de par son gigantisme.

La réalisation est également très soignée. Sofia Coppola film, en effet avec un esthétisme parfait rendant Tokyo un lieu de poésie, avec les couleurs venant des lumières nocturnes mais également par l'intermédiaire de la musique qui accompagne les image. Ainsi, la réalisatrice nous guide dans un voyage au coeur d'une culture si différente de la notre, le Japon. De plus, comme je l'avais souligné dans Virgin suicides, Sofia Coppola a une manière très pudique de filmer. En effet, nous n'entrons pas dans leur intimité, cela se révèle principalement dans la scène finale. La réalisatrice mise avant tout sur les longs plans sur les regards, sur les scènes passives accentuant la tendresse qui se dégage de ce film. Le montage est bien fait les plans s'enchaîne au rythme de la vie des deux protagonistes, entre l'hôtel, leur rencontre et la découverte de Tokyo.

Il faut noter aussi le jeu tout en finesse du duo d'acteurs Johansson/Murray. En effet, Bill Muray est très bon en acteur blasé, il a du pathétique dans ce regard qui touche énormément par sa sincérité: dépité face aux programmes télé, il essaie néanmoins de tuer le temps. Et Scarlett Johansson, également très troublante dans son rôle de jeune fille parfaite: belle, ayant réussi ses études mais totalement perdue à la fois dans sa vie et dans la ville. Ces deux acteurs rendent très bien le sentiment d'être entre réalité et rêve, juste parce que l'on s'identifie à eux, perdus dans une ville étrangère comme l'on peut l'être nous même..

Lost in translation brille par sa beauté et sa simplicité mais qui derrière les dialogues et les situations se cachent une réflexion sur la vie: Que faire de sa vie?
Deux êtres perdus dans leur vie, qui ne fuient pas, ne recherchent rien, mais qui veulent simplement mieux comprendre cette ville étrangère au lieu de la « subir ». Ces deux êtres abandonnés à eux-même vont se redécouvrir dans ce pays totalement différent du leur, c'est comme un nouveau départ où il auront l'occasion de changer de vie. C'est ainsi que ce total déracinement culturel va en quelque sorte leur ouvrir les yeux sur le sens que doit prendre leur vie. Cette rencontre même si elle ne sera qu'éphémère changera à jamais leur vie.

Le film se termine sur le mystère de cette relation. Bill Murray, avant de quitter la ville, rattrape Scarlett Johansson, lui chuchote quelques mots à l'oreille que l'on ne découvrira jamais.
Quand le film est terminé, il en reste essentiellement de la nostalgie et des questions. Vont-ils se revoir? à chacun son interprétation. Personnellement, je pense qu'ils s'aiment et que ce dépaysement était l'ultime occasion pour un nouveau départ dans la vie. Cependant, trop de choses seraient bouleversés dans leur vie, elle est mariée, lui est également marié et a des enfants. Cette rencontre, leur fera découvrir à chacun leur priorité dans la vie, ce qui est important et surtout donner un sens à leur vie.

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Oscar:
2004: Meilleur scénario original
Golden Globes:
2004: meilleur acteur: Bill Murray
2004: meilleur film: Sophia Coppola
2004: meilleur scénario: Sophia Coppola
BAFTA Award (César anglais):
2004: meilleur acteur: Bill Murray
2004: meilleure actrice: Scarlett Johansson
2004: meilleur montage: Sarah Flack
César:
2005: meilleur film étranger: Sophia Coppola

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17/20

John Christopher Depp est né le 9 juin 1963 à Owensboro, dans le Kentucky, d'un père ingénieur et d'une mère au foyer. Enfant, il est très attaché à son grand père à qui il rendait régulièrement visite. Malheureusement, celui-ci décède peu après les 7 ans de son petit fils. Bouleversé, il fut d'autant plus déstabilisé par son premier déménagement en Floride à cause du nouvel emploi de son père, s'ensuivent alors une douzaine de déménagements qui le perturbe. Il a de mauvais résultats scolaires et le divorce de ses parents à ses quinze ans fait déborder le vase et l'adolescent sombre dans la drogue puis abandonne sa scolarité. Par le biais de son oncle, Johnny assiste à des spectacles de gospel dans lesquels jouent ses cousins. Il se passionne alors pour la musique, plus particulièrement pour la guitare électrique. Il persuade sa mère de lui en acheter une. Déterminé et plutôt doué, il intègre le groupe « the flame », qui se renomme ensuite « the kids » et part en tournée pour faire l'avant-première des concerts d'Iggy Pop. Deux ans plus tard, les musiciens se rendent à Los Angeles En quête de célébrité mais le groupe n'arrive pas à trouver leur place. A ses vingt ans, il épouse la maquilleuse Lori Anderson. Le mariage ne dure pas mais par l'intermédiaire de sa femme, Johnny rencontre l'acteur Nicolas Cage, qui l'encourage à tenter sa chance dans le cinéma. Ce dernier organise une rencontre avec son agent, une rencontre qui débouchera sur l'obtention d'un premier petit rôle dans Les Griffes de la nuit (1984) de Wes Craven. Il paufine son jeu en entrant au Loft Studio de Los Angeles, pour suivre des court d'art dramatique, abandonnant ainsi la musique. Une fois sorti de l'école, il obtient de nombreux rôles secondaires. Puis, il connaît la célébrité avec le lancement de la série pour ados « 21 jump street », qui a un succès planétaire principalement auprès des adolescentes. Après trois saisons à interpréter Tom Hanson, il est déterminé à rompre avec l'image véhiculée par la télévision et décide d'être plus sélectif dans ses choix professionnels. Il se tourne alors vers le cinéma en débutant dans le satyrique "Cry Baby" (1990).
La décision semble porter ces fruits car J. Depp multiplie dès lors de nombreux magnifiques rôles notamment dans Las Vegas Parano (1998) ou encore Sleepy Hollow (1999) sans oublier son plus grand rôle dans lequel il incarne Edward aux mains d'argent (1991), il entame ainsi avec le réalisateur Tim Burton une fructueuse collaboration qui se poursuivra en 1994 avec Ed Wood, en 1999 avec Sleepy hollow, la légende du cavalier sans tête et en 2004 avec Charlie et la chocolaterie. Jamais à l'aise dans les productions de studios hollywoodiens, le comédien préférera tourner avec des cinéastes aussi talentueux que Hallström (Gilbert Grape ,1993; Le chocolat, 2001), Jim Jarmusch (Dead man, 1995), Emir Kusturica (Arizona dream, 1992), ou encore Kusturica, Chechik et Gilliam. Lui-même s'essaiera à la réalisation avec The Brave, film naïf et immature, un peu maladroit, mais aussi sensible, qui ne remportera pas le succès escompté, et ce malgré la présence au générique de son ami Marlon Brando. De retour devant la caméra, il s'éloigne des personnages romantiques et poétiques pour jouer les flics infiltrés dans la mafia dans Donnie Brasco (1997), les journalistes déjantés dans Las Vegas parano (1998), les chercheurs de livres rares en proie au fantastique dans La Neuvième porte (1999) ou les trafiquants de drogue dans Blow (2001). Malgré l'échec cuisant du thriller Intrusion (1999) et l'abandon du tournage chaotique de L'Homme qui tua Don Quichotte, film inachevé de Terry Gilliam qui donnera naissance au documentaire Lost in la mancha (2003), Johnny Depp garde la confiance des studios. Traquant Jack l'éventreur dans From hell (2002), il adopte un look proche de celui de Keith Richards pour les besoins de la saga Pirates des Caraïbes (2003). De l'univers des flibustiers à celui de Peter Pan, il n'y a qu'un pas qu'ose franchir l'acteur en se glissant en 2004 dans le costume cintré du dramaturge J.M. Barrie, auteur du mythique récit, pour le Neverland de Marc Foster. Il est en ce moment à l'affiche de Charlie et la chocolaterie, collaborant pour la quatrièmement fois avec Tim Burton.

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Johnny Depp est pour moi le meilleur acteur américain de sa génération. C'est un acteur des plus intéressants, lié à l'un des réalisateurs les plus imaginatifs de sa génération (Tim Burton !). Ses choix de films et de réalisateur sont très judicieux puisque c'est un acteur qui n'a pas peur de prendre des risques, loin des blockbusters américains. Il fait des films qu'il a envie de faire et privilégie le scénario au budget du film. Un acteur qui devrait être en haut de l'échelle pour tous son merveilleux travail accompli. En effet, il a tout pour lui: belle gueule, sympathique, rebelle, bon acteur, un charisme fou et une audace qui ne plait pas forcément aux conformistes. Mais cet acteur est humain, infiniment doué et particulièrement intelligent et pourtant aucune récompense digne de ce nom. Depp frôle l'excellence et compose des personnages riches et rêveurs, sombres et magnifiques. Il est, en effet rare qu'un acteurs qui arrive a endosser autant de rôles différents avec une telle réussite. C'est un bonheur de le voir à chaque fois avec un personnage à l'opposé du précédent qu'il interprétait. Il s'est fait une spécialité des rôles de déjantés ou à caractère historique. Il parvient à chaque fois a jouer avec tellement de souplesse, tellement d'exactitude, tellement de perfection chacun de ces rôles que nous pouvons ressentir chaque expressions, chaque sentiments que le personnage qu'il interprète doit nous faire parvenir.

Bref, un acteur culte pour toutes les générations, symbolisant la poésie de ses films, et révélant cette graine de folie dans les rôles qu'il interprète au fil des ans.

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Shantaram (2006)
Pirates des Caraïbes 3 (2005), de Gore Verbinski Addict (2005), de Andy Serkis
The Rum diary (2005), de Bruce Robinson
Pirates des Caraïbes 2 (2005), de Gore Verbinski
The Libertine (2004), de Laurence Dunmore
Les Noces funèbres (2004), de Tim Burton
Charlie et la chocolaterie (2004), de Tim Burton
The Diving bell and the butterfly (2004), de Julian Schnabel
Neverland (2003), de Marc Forster
Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants (2003), de Yvan Attal
Fenêtre secrète (2003), de David Koepp
Il était une fois au Mexique Desperado 2 (2003), de Robert Rodriguez
Pirates des Caraïbes, la malédiction du Black Pearl (2002), de Gore Verbinski
Charlie : the life and art of Charlie Chaplin (2002), de Richard Schickel
Lost in La Mancha (2001), de Keith Fulton
From Hell (2001), de Allen Hughes
Blow (2001), de Ted Demme
Avant la nuit (2000), de Julian Schnabel
Le Chocolat (2000), de Lasse Hallström
The Man who cried (2000), de Sally Potter
Sleepy Hollow, la légende du cavalier sans tête (1999), de Tim Burton
Intrusion (1999), de Rand Ravich
La Neuvième Porte (1999), de Roman Polanski
The Source (1999), de Chuck Workman
I Love L. A. (1998), de Mika Kaurismäki
Las Vegas parano (1998), de Terry Gilliam
The Brave (1997), de Johnny Depp
Donnie Brasco (1996), de Mike Newell
Cannes man (1996), de Richard Martini
Meurtre en suspens (1995), de John Badham
Don Juan DeMarco (1995), de Jeremy Leven
Dead Man(1995), de Jim Jarmusch
Ed Wood (1994), de Tim Burton
Gilbert Grape (1993), de Lasse Hallström
Benny & Joon (1992), de Jeremiah Chechik
Arizona Dream (1992), de Emir Kusturica
La Fin de Freddy, l'ultime cauchemar (1991), de Rachel Talalay
Edward aux mains d'argent (1990), de Tim Burton
Cry-Baby (1990), de John Waters
21 Jump Street (1989) - Saison 4
21 Jump Street (1988) - Saison 3
21 Jump Street (1987) - Saison 1
21 Jump Street (1987) - Saison 2
Private Resort (1987), de George Bowers
Platoon (1986) de Oliver Stone
Les Griffes de la nuit (1984), de Wes Craven

Titre: Vanilla sky
Film américain
Réalisateur: Cameron Crowe
Casting: Tom Cruise, Penélope Cruz, Cameron Diaz, Kurt Russell
Genre: Thriller, Fantastique
Durée: 2h15
Date de sortie: 23 Janvier 2002
Année de production: 2001
Budget: 75 millions de $

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David Aaymes est un jeune et brillant éditeur new-yorkais et mène une existence de rêve, volant de succès en succès, de conquête en conquête avec une voracité désinvolte que rien ne semble pouvoir entamer. Il a donc tout pour lui: l'argent, la réussite professionnelle et les femmes. Son ami Pelayo commet l'erreur de lui présenter Sofia, sa nouvelle compagne. Au premier regard, David succombe au charme de celle-ci. Sofia réussit même à toucher une corde sensible chez lui, celle de l'amour. Tous les deux filent bientôt le parfait amour. Cependant, ce bonheur ne sera qu'éphémère. En effet, Julie, ancienne conquête folle de jalousie, n'accepte pas qu'il la largue ainsi sans de bonnes raisons. Il s'est servi d'elle, l'a blessée comme jamais personne ne l'avait fait auparavant. Alors qu'ils se querellent sur ce point en voiture, Julie accélère, accélère et accélère encore. Puisque David ne désire plus vivre avec elle, ils mourront ensemble! Julie provoque l'accident, meurt, mais David survit. Atrocement défiguré, David est transporté d'urgence à l'hôpital où les médecins ne peuvent réaliser de miracle. La vie de David vient de basculer; rien ne sera plus comme avant. Les gens ont peur de lui maintenant et Sofia l'évite. Mais, le lendemain, il se fait gentiment réveiller par Sofia. Elle lui déclare son amour. Tout va pour le mieux. Les médecins lui annoncent même qu'ils pourront reconstruire son visage sans aucune marque. Réalité ou hallucination ? A la recherche de son âme et d'une nouvelle identité, David découvre le caractère éphémère et le prix sans pareil de l'amour authentique...

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Vanilla sky est le remake d'Ouvre les yeux, un thriller réalisé en 1997 par l'espagnol Alejandro Amenabar. Penélope Cruz, qui tenait le rôle féminin principal d'Ouvre les yeux, reprend exactement le même rôle dans Vanilla sky.

Ce remake est un beau film, très bien réalisé et captivant de bout en bout qui nous pousse sans cesse à nous interroger sur son final. Le premier mot qui nous vient à l'esprit après visionnage est surprenant. En effet, angoissant et manipulateur il ressemble à un labyrinthe, avec des fausses pistes, des culs de sacs et des sorties qui n'en sont pas. En effet, lorsque l'on est persuadé d'avoir compris un élément, deux minutes plus tard on se rend compte qu'en fait on a rien compris depuis le début. Ce film est une énigme qui trouve sa réponse qu'à la toute fin du film, si bien que pendant toute la durée du film le spectateur ne sait pas où donner de la tête tellement il est perdu, habilement manipulé par le réalisateur. Ce film est, en effet dérangeant puisque l'on a du mal à trouver la vérité parmi les retournements de situation et les flash back. En plus de cela, le rêve se mêle à la réalité, laissant le spectateur livré à lui-même, essayant de distinguer le rêve de la réalité, ce qui n'est pas une mince affaire: une fois qu'on pense avoir repris pied dans la réalité, c'est pour se rendre compte qu'on est en plein rêve. Mais, à la toute fin du film tout s'éclaircit et on comprend, nécessitant un deuxième visionnage du film. Pour apprécier ce film, il faut vraiment être dans l'esprit du film, et avoir envie de se plonger dans une oeuvre un peu bizarre et confuse, mais l'expérience est réellement à faire.

Vanilla Sky navigue entre un thriller, la comédie romantique et un film fantastique. De nombreux thèmes sont abordés dans ce film comme l'importance de l'apparence physique dans les rapports humains, la réussite, le libre arbitre et la différence. Cependant, tout ces sujets ne sont pas traités crûment, il découle simplement de l'histoire.

Vanilla sky présente la vie de David Aaymes, un jeune homme riche et séduisant. Au delà de ça, il est égocentrique n'ayant pas beaucoup de sens moral. Il couche avec sa meilleure amie, Julie Gianni, qu'il considère comme « une copine de baise » et il drague la petite amie de son meilleur ami. David raccompagne Sofia et tombe amoureux. Il est subjugué par cette fille nature et belle. David Aames a tout pour être heureux jusqu'au jour où il n'a plus rien, à force de vouloir toujours plus et de ne pas se contenter de ce qu'il a : il avait trouvé l'amour mais l'a perdue dès lors qu'il a choisi de monter en voiture avec son ex.

Le point fort de ce film est son scénario: l'histoire est déroutante et suffisamment complexe pour tenir le spectateur en haleine jusqu'au dénouement. La fin ne laisse pas le spectateur sur sa faim, et livre une explication satisfaisante un peu scolaire mais c'est nécessaire pour comprendre l'histoire.

Quoiqu'il en soit, "Vanilla sky" est avant tout une très belle histoire d'amour, avec un scénario bien ficelé, riche en rebondissements.
Vanilla sky est ce genre de film qui nécessite plusieurs visions. Si vous aimez l'originalité ce film vous emmènera dans un univers entre rêve et réalité, peu familier mais tellement intriguant.

Vanilla sky fait partie de ce cinéma en plein essor: le cinéma déroutant, loin du cinéma provocant avec du sexe et de la violence. Ce cinéma, n'hésite pas à faire travailler nos neurones du début jusqu'à la fin et qui continue même une fois le film terminé. Ce film n'est pas seulement divertissant, il a également le mérite de nous faire réfléchir. On ressort, en effet du film déboussolé, effrayé et rêveur, c'est un film intéressant qui nous permet de faire un retour sur soi, notamment sur l'impact du regard des autres, et sur notre vie: faut-il chercher continuellement à avoir toujours plus ou faut-il se contenter tout simplement du bonheur quand on pense l'avoir trouver? Vanilla sky est aussi l'histoire d'un homme qui n'a pas su faire un choix à un moment de son existence, laissant quelqu'un d'autre décider à sa place, le conduisant à sa perte.
Vanilla Sky est donc un film à part, totalement en décalage par rapport à notre réalité, pouvant faire perdre la notion du temps.



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16/20

Titre: Charlie et la chocolaterie
Titre original: Charlie and the chocolate factory
Film américain
Réalisateur: Tim Burton
Casting: Johnny Depp, Freddie Highmore, Annasophia Robb
Genre: Fantastique, Comédie
Durée: 1h56
Date de sortie: 2004
Année de production: 13 juillet 2005

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L'histoire raconte, Willy Wonka un propriétaire de chocolaterie décide un jours de faire découvrir à 5 jeunes enfants l'usine et un d'entre eux aura un cadeau bien spécial. Pour cela il va mettre cinq billets d'or dans cinq tablettes au hasard. Charlie est un enfant issu d'une famille pauvre, vivant avec ses 4 grands parents et ses parents pauvres dans une petite maison, c'est entouré de ses proches qu'il lui vient l'admiration de ce grand personnage qu'est Willy Wonka, le propriétaire de la chocolaterie impressionnante qui se dresse au fond de la ville. Travaillant pour subvenir aux besoins des siens, il doit économiser chaque penny, et ne peut s'offrir les friandises dont raffolent les enfants de son âge. Pour obtenir son comptant de sucreries, il participe au concours organisé par l'inquiétant Willy Wonka. Cependant, ce n'est pas gagné d'avance, en quelque sorte exclu de cette course aux tickets d'or par sa pauvreté, ses parents en effet, lui achète une plaquette de chocolat, uniquement à noël. Un jour, par hasard, il découvre un billet de 10£, et ainsi achète une tablette. Avec sa chance, il découvre le dernier billet d'or et a rendez-vous le 1er février devant l'immense entrée de la chocolaterie. Les autres personnages qui auront découvert les cinq billets d'ors sont: un petit gros, un allemand, qui pense qu'à manger, il l'a découvert en mangeant la tablette, une fille de bonne famille anglaise, gâté par son père et qui n'a pas découvert le billet par hasard, puisque son père a racheté toutes les tablettes de chocolat d'Angleterre, une petite peste à l'instar de sa mère, qui fait tout les sport, et est très sûr d'elle, et enfin un fou hich tech, un garçon méprisant, agressif et difficilement contrôlable. C'est tous les cinq accompagné chacun d'un membre de leur famille qu'il vont visiter la chocolaterie. A la fin il n'en restera qu'un. Devinez qui c'est?

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« Charlie et la chocolaterie » est avant tout une merveille visuelle. Dès le départ on est subjugué par cette petite ville anglaise dans la laquelle les flocons tombent paisiblement, la ville recouverte d'un tapis blanc, semble endormie. Une bâtisse semble dominer la ville, à la fois inquiétante et impressionnante, une usine à chocolat tentaculaire. Puis, l'on voit une petite chaumière à l'architecture que l'on ne peut trouver que dans un film de Tim Burton. Cette chaumière semble au départ froide, inquiétante, mais dès lors que l'on rentre au cœur de cette famille, l'atmosphère qui se dégage de cette maison est d'une chaleur intense dégagé par le feu de la cheminée et par la chaleur familiale à la fois.
Puis, quelque minute après nous voilà plongé dans un univers totalement différent: un univers loufoque, magique et kitsch. Les décors sont à croquer composés de rivières de chocolats et autres paysages féeriques aux couleurs bonbons, ainsi on retrouve une bonne part de l'imaginaire de Burton. C'est dans ces décors somptueux que l'on suit activement avec les autres enfants la visite de cette chocolaterie.

Dans ce film, Tim Burton va au bout de son univers intérieur, cette âme et ce regard d'enfant qu'il retranscrit à l'écran produit une merveille cinématographique. Le réalisateur signe l'un de ses films les plus réussis, pleins de poésie, de légèreté et d'humour, retrouvant ainsi la réputation du réalisateur. Du cinéma américain sans sexe, et violence, ni vulgarité comme l'on voudrait en voir plus souvent. Il en ressort beaucoup de douceur de cet atmosphère féerique et surréaliste, qui nous renvoie tout droit au pays de l'enfance. Durant tout le film, on est étonné et émerveillé, bluffé par la magie et l'humour assez noir. On en ressort le sourire aux lèvres avec une sensation de bien être, de joie et de bonne humeur.

Le seul reproche que l'on peu faire à ce film est qu'il se rapproche d'une fable moralisatrice par l'intermédiaire des caractères stéréotypés et poussés à l'extrême de chaque enfants, soulignant ainsi l'innocence de Charlie et anticipant la «victoire » de l'enfant le plus honnête et le moins intéressé. Ce côté moralisateur est cette exaltation de la famille peut en effet déranger. Derrière ces stéréotypes, on ressent la satire d'une société matérialiste dans laquelle les enfants ne pense que profit et intérêt, passant à côté du merveilleux et de l'imaginaire. Rendus matérialistes par leur parents soit par affection, soit par ambition, ces enfants n'ont plus aucune notion de l'essentiel, tout ce qu'ils désirent leur semble indispensable. Ces parents, ont en quelque sorte corrompus l'imaginaire et la candeur des enfants. Seul Charlie semble avoir gardé une âme d'enfant, puisqu'il est pauvre et ne peut se permettre de faire des caprices. Charlie paraît être le seul émerveillé dans la chocolaterie qui l'avait tant fasciné. Sans surprise, c'est la personne généreuse, et honnête qui restera en lice.

Les acteurs sont également très bons. Mention spéciale à Johnny Depp, évidemment, méconnaissable avec son visage blanc et tout lisse, qui crève l'écran comme à son habitude. Il parvient, en effet à donner à son personnage une dimension surréaliste et inquiétante, excentrique plus que jamais en Willy Wonka, ce type névrosé et traumatisé par son enfance. Il est complexe, passant de la fantaisie à la cruauté, mais toujours en ayant le sourire aux lèvres. Rien ne semble atteindre ce personnage androgyne.
Freddie Highmore, le petit Charlie est assez juste dans son rôle. Il joue un enfant parfait, un regard candide, un sourire émerveillé : il est l'antithèse parfaite des sales gosses joués avec brio, par Julia Winter ( Véruca ) Jordan Fry ( Mike ) Philip Wiegratz ( Augustus) et Annasophia Robbs ( Violet) .

Bref, malgré la morale un peu niaise qui se dégage de ce film, celui-ci reste un pur bonheur à ne pas manquer.

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16/20

Titre: L'effet papillon
Titre original: The Butterfly effect
Film américain
Réalisateurs: Eric Bress, J. Mackye Gruber
Casting: Ashton Kutcher, Amy Smart, Elden Henson
Genre: Drame, Fantastique
Durée: 1h53
Date de sortie: 10 Mars 2004
Année de production: 2003
Budget : 13 millions de dollars
Box Office France : 642 655 entrées

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Depuis sa plus tendre enfance, Evan Treborn est un jeune garçon qui présente des trous de mémoire importants. Son enfance est un assemblage de début de souvenirs semés de trou noir. Suivi par un médecin spécialiste, des examens et de séances d'hypnose sont réalisés mais sans grand succès. On lui conseille donc d'écrire, chaque jour, ce qui se passe sur un journal. Un jour, en relisant ses notes, il découvre qu'il a le pouvoir de se transporter dans son passé. Fasciné, il va d'abord mettre ce don au service de ceux dont les vies ont été brisées dans leur enfance. Il peut enfin repartir dans le passé et sauver la seule jeune fille qu'il ait jamais aimée. Mais Evan va découvrir à ces dépens que ce pouvoir est aussi puissant qu'incontrôlable. Il va en effet s'apercevoir que chaque changement apporté au passé modifie complètement la donne de l'existence. En intervenant sur le passé, il modifie le présent et se voit de plus en plus souvent obligé de réparer les effets indésirables de ses corrections. La situation devient rapidement ingérable et ceux qu'il voulait secourir se retrouvent en danger.

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Tout d'abord, l'effet papillon est un film qui est quasiment passé inaperçu lors de sa sortie en salle et dont les critiques ne l'ont pas aidé à se démarquer des autres films. Pourtant, celui-ci, d'une grande ambition aborde un thème difficile mais cependant très bien traité et mis en scène. Le sujet est l'effet papillon comme le titre le suggère: il s'agit d'une théorie mise en évidence par un météorologue qui stipule que chaque action, même la plus anodine peut provoquer à long terme des conséquences de grandes ampleurs. Dans le contexte du film, cette théorie est mise en place dans un cadre temporel. En effet, si l'on pouvait retourner dans le passé et changer la moindre chose de notre vie, tout ce qui en découlerait serait modifié. Donc cela ne concernerait pas seulement notre propre vie mais impliquerait également un changement, voire un bouleversement dans la vie des autres, plus ou moins liés à nous. Ainsi, le réalisateur aurait pu nous livrer un film sans grand intérêt et surtout vide de sens, mais ce n'est pas le cas. Lors de sa sortie en DVD, ce film remporta un plus grand succès grâce à un bouche à oreille qui a fonctionné. Généralement, ce film est apprécié de par le concept qu'il met en valeur. En effet, celui-ci est un fantasme chez chacun de nous : retourner dans le passé pour changer ne serait-ce qu'un micro détail, d'ailleurs on retrouve souvent dans le langage courant les expressions «J'aurais du » ou « si j'avais su ».

La plus grande réussite de ce film réside dans le scénario plein de créativité dans son concept. En effet, la grande particularité de ce film est que l'on peut le diviser en deux parties. Une partie enfance/adolescence et une partie adulte. La partie enfance est très angoissante voire insoutenable. On retient cinq scènes principales, celles qui vont ficeler le reste de l'histoire: la scène du couteau dans la cuisine, la scène du film dans la cave, la scène de la rencontre avec son père, la scène avec la boite aux lettres et enfin la scène du chien. Dans chacune de ces scènes, il manque un morceau essentiel à la compréhension de cette scène, cela se ressent essentiellement dans le cas de la scène de la boite aux lettres. En effet, dans ces cinq scènes, l'on passe d'une situation à une autre sans aucune transition, laissant le spectateur dans le flou total, essayant d'imaginer le morceau manquant. On suit les aventures de ce garçon malchanceux avec intérêt, qui malgré son jeune age connaît les expériences de la mort, de la violence, de la folie et de la pédophilie. Dans le deuxième partie, Evan souligne que depuis 13 ans, il n'a pas eu de perte de conscience. Cependant, en lisant par hasard un ancien journal intime, il va s'apercevoir qu'il peut retourner dans le passé et découvrir enfin ce qui s'est passé. Ainsi, on va suivre le film comme une enquête, l'enquête d'une vie à laquelle il manque des morceaux du puzzle. Pour cela, le réalisateur distille des indices dans chaque mouvements et implique le spectateur en lui faisant avancer au pas de loup et ainsi progresser en même temps qu'Evan. On découvre, en effet, en même temps qu'Evan, les morceaux de sa vie, provoquant une identification au personnage. Tous les évènements sont calculés et criant d'efficacité, permettant aux spectateurs de voyager au cours des différentes vies du personnage principal. En effet, le Evan va connaître au total cinq vies avant de prendre la décision finale. Pour cela, il va changer un élément dans sa vie, un élément dans une des scènes qu'il aura vécu lorsqu'il était jeune.

Riche et intense, le scénario donne l'impression qu'il peut se passer quelque chose à tout moment. Le film est, en effet rythmé par des rebondissements inattendus, provocant une réelle surprise, voire quelque fois un sursaut chez le spectateur. Ce film est riche en thèmes abordés. On retrouve, en effet des thèmes bateaux tels l'amour, l'amitié, l'adolescence, la mort, la vie étudiante mais également de réels problèmes de société comme la pédophilie, la prostitution, la drogue, la violence...

Le scénario soulève cependant quelques interrogations notamment: pourquoi repartir de zéro quand seulement une seule chose ne fonctionne pas, au lieu de simplement changer cette chose? De plus, on peut reprocher au film certains stéréotypes quant à la vie américaine comme les banlieues résidentielles, les amitiés adolescentes, la vie étudiante ou encore la vie carcérale. Ce film, nous offre une vision noire de l'Amérique.

Cependant, l'effet papillon reste un très bon film qui possède un pouvoir de magnétisation époustouflant qui, à la fois envoûte et déroute le spectateur. C'est cette attraction qui le pousse à comprendre. En effet, jusqu'au milieu du film, il semble confus et le spectateur est dérouté entre les retours dans le passé et les changement soudain de vie mais ensuite tout s'éclaircit. Le film nécessite cependant une deuxième vision. De plus, la caméra semble inexistante pour le spectateur, qui navigue activement entre les différentes vies d'Evan, ainsi comme lui on se sent prisonnier de ce cercle vicieux. Ce film semble court et interminable à la fois. Court parce que le rythme est très soutenu pendant toute la durée du film et long parce que l'on se demande quand tout cela se terminera, quand il trouvera enfin la bonne solution. C'est ainsi que le film se concentre essentiellement sur les capacités psychiques et sensorielles du spectateur.

Quant à la fin, intelligente et plutôt inattendue, est tout simplement sublime et bourrée de simplicité et d'émotion. Une fin basée sur la nostalgie et qui restera longtemps gravé dans votre esprit. Loin d'une happy end comme on l'attendait mais également loin d'être tragique, elle laissera un goût d'amertume chez le spectateur. Accompagné d'une musique superbe signée Oasis, renforçant l'émotion de cette scène. Deux autres fins ont été imaginé: la very happy end, il se croise, se reconnaisse, discute...mais très peu probables dans le contexte du film. Une autre fin a été censuré, beaucoup plus glauque, celle-ci montrait le héros encordant le ventre de sa mère, se suicidant par strangulation avec le cordon ombilicale.

L'effet papillon est avant tout au film qui fait réfléchir, contenant plusieurs morales. La plus évidente est qu'un simple geste peut prendre des proportions inimaginables, donc vaut mieux réfléchir avant. Ce film montre également que tout effet a une cause et que la vie nécessite obligatoirement des sacrifices. Certains y verrons également une incitation à la fuite des responsabilités, ne pas faire face aux problèmes pour avoir une vie lisse, sans souffrance, ni passion. Ce film amène également à une réflexion sur sa vie et sur sa vision de voir les choses. En effet, il soulève plusieurs questions notamment sur le contrôle de son futur et de son destin: Sommes-nous réellement libre? Nos choix nous appartiennent-ils? Ne sommes-nous pas le produit de notre propre histoire? Construis-t-on notre vie ou est-ce notre vie qui nous construis?

Le tout est servis par des performances d'acteurs, notamment Ashton Kutcher tout simplement surprenant. En effet, plus habitués à jouer le rôle de grands niais dans des comédies légères comme dans « Eh mec, elle est où ma caisse?« (2000), « Pour le meilleur et pour le rire » (2003), « Treize à la douzaine » (2003) ou encore dans « my boss's daughter » (2003), il trouve ici un rôle beaucoup plus sérieux.Le film met en scène des personnages aux destins parallèles, dépendants les uns des autres et influencés par des évènements dramatiques.

La grande particularité de ce film est que les acteurs jouent plusieurs rôle tout en incarnant le même personnage, les caractères de chaque personnages mutant lors du passage d'une vie à l'autre. Ainsi Amy Smart joue consécutivement une serveuse, une étudiante et une prostituée. Tommy passe d'un mec très violent à un pratiquant.

En bref, ce film est très bon malgré la complexité du concept, le réalisateur a su tenir en haleine par un film très rythmé.

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16/20